Nuevo mensaje procedente de la Nostromo

La Nostromo está entrando en la regiones más remotas y desconocidas del Universo, donde reinan la oscuridad y el silencio más absolutos, la nave sigue con su interminable viaje hacia lo desconocido.

Pronto no será más que un eco lejano, perdido en la inabarcable inmensidad del vacío cósmico más contundente. Nuestro hogar, La Tierra, es ya un débil recuerdo de unos tiempos pasados que ya no volverán. Los últimos objetos cotidianos de origen terrestre, que nos acompañaban en nuestro viaje, se perdieron en el último accidente, ocurrido años atrás mientras atravesábamos la región de Icarus.

Solamente pudimos salvar un viejo equipo de música y nuestra colección de cedes, la mayoría ya muy desgastados por el uso intensivo que siempre les dimos. Son nuestro alimento para el alma, lo único que nos mantiene con fuerza para seguir adelante, y no rendirnos ante el desolador panorama que tenemos delante.

Buscando y rebuscando entre esos archivos sonoros, uno siempre encuentra alguna joya del lejano pasado, que sirve para levantar el ánimo de la tripulación. Recuerdos de los olvidados siglos XX y XXI, unos tiempos en los que la música alcanzó las más altas cimas de belleza e inspiración. Luego se entraría en los lúgubres siglos de oscuridad y persecución, donde todo lo relacionado con el arte, la creatividad y la belleza fue prohibido y borrado de la cultura popular.

Nuestra amada Tierra la habíamos convertido en un lugar frío e inhóspito, insolidario y cruel, sin recursos naturales para poder mantener a toda su población, abocada a una lenta, pero inexorable agónica muerte.

Los últimos supervivientes huyeron de un terrible final hace ya más de tres siglos, a bordo de la nave Nostromo, nosotros somos sus herederos que generación tras generación luchamos para seguir el viaje, no sabemos bien a donde, y mantener viva su memoria.

Desde lo más recóndito del Universo mandamos este mensaje a quien le pueda llegar, no sabemos como estará ahora nuestro planeta, pero en lo más hondo de nuestra alma todos soñamos con poder regresar algún día.

Nave Nostromo, en algún día de no sabemos que mes, sobre el año 2458.

Después de este microrrelato, de más que dudosa calidad y producto de unos momentos con las defensas bajas, os quiero presentar la última banda que está entrando justo estos días en mi universo musical, se trata de los noruegos Wobbler. Está formación será una de las invitadas al próximo Minnuendö que se celebrará en Peralta (Navarra) el 11 de mayo de 2019.

Por lo que he podido investigar se trata de un grupo muy interesante, que cultiva un rock sinfónico actual, pero repleto de recuerdos de la época dorada del género. Utilizan mucho teclado analógico de los años 70, aquellos teclados que nos marcaron a todos: mellotron, órgano Hammond, piano eléctrico Fender, sintetizadores Mini Moog y ARP, etc.

Creo que hablaremos en más de una ocasión de estos chicos, porqué realmente lo merecen. De momento os dejo un gran tema de su trabajo más reciente: From Silence to Somewhere del año 2017.
El tema se llama Fermented Hours.

Con mis mejores deseos para estas Fietas!

Novedad: Yezda Urfa

Otra banda de los 70 que sumamos a nuestro universo, se trata de Yezda Urfa, una formación original de Estados Unidos con un corto, pero a la vez muy interesante proyecto.

Yezda Urfa planta su semilla original en el ya lejano año 1973, en la ciudad americana de Portage. Su música es una suma de estilos e influencias, que van desde el rock sinfónico más clásico al rock experimental, con toques folks, pinceladas de jazz y esencias de múltiples tendencias de la onda progresiva.

En estos pocos años de vida publicaron dos trabajos, aunque de una forma un tanto irregular y pasando muy desapercibidos. En mi opinión, si han llegado ahora a un mayor nivel de reconocimiento es gracias a las reediciones posteriores.

El primer trabajo fue publicado en 1975 bajo el formato de demo con el nombre de Boris. El segundo titulado Sacred Baboon se publicó al año siguiente. Como mencionaba anteriormente ambos han sido reeditados en formato cd con posterioridad, Sacred Baboon en el 1992 y Boris en 2004.

Hasta mí ha llegado el segundo álbum y os puedo asegurar que me ha despertado el interés desde el primer momento. Por su original sonido y esa mezcla de influencias tan diversas, con una instrumentación de clásica banda de rock, a la que suman instrumentos más originales como la mandolina, el xilófono, la marimba o el violonchelo. Con unos juegos vocales muy interesantes, y una voz principal que me recuerda mucho a la de Jon Anderson,

Y claro está, esos pequeños guiños a grandes bandas del imaginario del rock progresivo. Percibo notas de Yes y de Gentle Giant, pero también de Genesis, de Oldfield y hasta del maestro Zappa.

La muestra la pone este tema que cierra el disco Sacred Baboon, el magnífico 3, Almost 4, 6, Yea.

Nostromo a Tierra: Pearl Jam

La Nostromo sigue su viaje aunque ahora la comunicación con el centro de control es más esporádica, debido a las diversas zonas oscuras que vamos atravesando. Las distancias se hacen cada vez más largas y todo es oscuridad a nuestro alrededor Un ensordecedor silencio es nuestro más fiel compañero de viaje: el silencio de lo infinito, el silencio de lo inmenso, de lo inabarcable para la mente humana.

Esta falta de sonidos naturales nos permite escuchar la música con una concentración especial, fijándonos en matices que antes pasaban inadvertidos. En esta riqueza sonora encontramos las fuerzas para seguir adelante, es eso y la atracción por lo desconocido lo que nos mantiene con la energía necesaria en el día a día.

Todo esto para no reconocer que publico menos porqué cada día soy más vago, JAJAJAJA!

Como siempre a mi ritmo, hace pocos días ha llegado a mi universo sonoro este disco: Ten de Pearl Jam y ha entrado muy fuerte, me parece una maravilla, rock puro, sin más, de aquel que va directo al corazón.

Pearl Jam fue una de las bandas más interesantes de los 90, está etiquetada dentro del movimiento Gounge y Altenativo, como Nirvana o Soundgarden, aunque su sonido posee una esencia más melódica. Su mayor producción se produjo en los años 90, etapa en la que publicaron sus mejores discos, algunos alcanzando grandes dosis de popularidad.

Por ahora me centro en este gran debut: Ten del año 1991. Fue una manera espectacular de comenzar su carrera musical y el tiempo no ha hecho más que envejecerlo con solera.

Hoy rock directo en vena con Pearl Jam, Ten y el tema Alive.

Jon Anderson: Olias of Sunhillow

Era otra de mis asignaturas pendientes, a las que parecía que nunca le iba a llegar su momento, pero finalmente pude prestarle la atención que sin duda merecía, y os puedo asegurar que esta ha sido intensa en estos últimos días.

Y es que por fin le llegó el turno, al primer disco publicado en solitario por el cantante y miembro fundador de una las bandas claves del rock sinfónico de los años 70, Yes. Se trata del álbum Olias of Sunhillow del maestro Jon Anderson.

El disco fue publicado en el año 1976 y todo el merito recae solo en la figura de Anderson, que además de componer todos los temas del disco, se ocupó de tocar todos los instrumentos que aparecen. Instrumentos de lo más variado que van desde el bajo eléctrico, a las percusiones, pasando por las guitarras, los teclados, la flauta, la mandolina o el arpa, y por supuesto su personalísima voz.

La música es toda una evocación a lugares de fantasía desbordante, como un relato místico con una magnífica vena poética, que trasladan al oyente a espacios sonoros de gran belleza. Notables influencias de ritmos del lejano oriente y de la música celta, se mezclan con sonidos electrónicos en una memorable armonía.

Es un álbum conceptual que narra la historia del largo viaje de una raza extraterrestre a la búsqueda de un nuevo hogar, después de que su planeta quedara destruido por una catástrofe. Olias es el navegante elegido para trasladar a su pueblo a su nueva casa. Esa es, explicada muy sucintamente, la aventura fantástica que narra el trabajo de Jon Anderson.

Una muestra de este excelente disco de presentación en solitario de Jon, la tenemos en este fragmento de la obra.

The Musical Box: A Genesis Extravaganza (1970-1977)

La banda canadiense The Musical Box está de nuevo de gira y tiene parada programada en Barcelona en la Sala Barts los días 22 y 23 de octubre.

El nuevo espectáculo que presentarán, es una retrospectiva que tomará como referencia los mejores años de la banda, sus mejores discos, con ellos Genesis firmó una de las páginas más brillantes y espectaculares de la historia del rock sinfónico.

El concierto que en principio durará más de dos horas repasará toda la discografía de la banda entre los años 1970 a 1977. El homenaje incluirá temas del Tresspas, Nursery Crime, Foxtrot, Selling England by the Pound, The Lamb Lies Down on Broadway, A Trick of the Trail y Wind & Wuthering.

The Musical Box se formó en Quebec, Canadá en el año 1993 cuando un grupo de músicos amantes del sonido de Genesis, decidieron unir esfuerzos para hacerles un homenaje lo más fidedigno posible. El nombre como es obvio lo tomaron del fabuloso tema del álbum Nursery Crime. Disco que fue precisamente al primero que le dedicaron un espectáculo, luego vendrían los dedicados al Foxtrot y Selling England by the Pound.

Con el paso de los años la banda se fue consolidando, a la vez que sus espectáculos eran cada vez más fieles a los conciertos originales motivo del tributo, llegando a unos niveles de ser unos clones de los originales. Creando réplicas exactas de todo: la escenografía, la estética de los músicos y la disposición de los instrumentos.

Durante el nuevo siglo The Musical Box ha continuado sumando nuevos conciertos a su programa. El The Black Show, compuesto de una mezcla del Foxtrot y el Selling England by the Pound. En 2008 presentaron la gira dedicada al A Trick of the Trail. En 2011 y 2012 pusieron en marcha el espectacular proyecto de homenaje al The Lamb Lies Down on Broadway. En 2013 y 2014 repitieron espectáculos con motivo de los 40 aniversario de discos ya representados anteriormente.

Ahora para este 2018 presentarán el ya mencionado A Genesis Extravaganza, una retrospectiva de los mejores años de Genesis.

Personalmente los he podido disfrutar en tres ocasiones y os puedo asegurar que merecen mucho la pena, altamente recomendable para todo amante de Genesis. Como mi amigo Xavier al que va dedicada este artículo.

Una muestra de las virtudes que acreditan estos chicos la tenemos en la interpretación del tema Cinema Show, con la introducción idéntica que ofrecía Peter en los conciertos.

Gong: Flying Teapot

Cierro la trilogía mágica de Gong con el disco que la inició, curiosidades de un blog un tanto anárquico.  Corría el año 1973 y la banda pasaba por unos momentos de bastante estabilidad, Deavid Allen estaba en un momento de gran lucidez creativa, con las ideas muy claras a mí entender, sobre el rumbo que quería tomar.

La propuesta de rock psicodélico, experimental y espacial estaba totalmente consolidada en el ideario de Gong, y su imaginación desbordante sumada a la dulce locura que empapaba a toda la banda, estaba dando unos frutos muy apetecibles.

Así pues, con esta tetera voladora empieza esta maravillosa trilogía conocida como Radio Gnomo Invisible, después vendrían Angels Egg y You a los que ya dediqué su correspondiente entrada semanas atrás.

La banda estaba formada por Allen como vocalista y guitarra, ChistianTritsch que también se encargó de las guitarras, Didier Malherbe a los saxos y flauta, Gill Smyth a las voces, Laurie Allan a la batería, Steve Hillage a las guitarras, Francis Moze al bajo y teclados, Tim Blake a los teclados y voces y Rachid Houari a las percusiones.

Es hora de liberar la mente y subirnos a bordo de este singular objeto volador que nos transportará a inmensas llanuras de placer musical, todo y todos cabemos dentro de el, solo es necesario dejar volar la imaginación.

Para conseguir nuestro propósito os propongo el tema que da nombre al álbum Flying Teapot, donde hallaremos concentradas todas las virtudes de la esencia de los Gong de esta primera etapa.

The Tangent: not as good as the book

Una de las bandas que presenta una propuesta más interesante en el nuevo siglo son The Tangent, propuesta en la que me voy introduciendo poco a poco. En estos últimos meses me han llegado dos discos que no han hecho más que confirmar mis expectativas: Not as good as the book y Le Sacre du Travail. Dos buenos álbumes que os quiero presentar aquí.

Hoy nos quedaremos con el primero de ellos. Not as good as the book fue publicado en el año 2008, siendo el cuarto trabajo de estudio de la banda. Desde el primer momento fue un disco muy bien valorado por el público y por la crítica especializada. El buen hacer de Andy Tillison, principal impulsor del grupo a todos los niveles estaba calando en el mundo del rock progresivo.

La mezcla de rock sinfónico con raíces clásicas, con toques de jazz, una pizca de rock electrónico e incluso con elementos del mundo del funky; le había proporcionado una personalidad propia a su propuesta musical, que era y es muy del gusto de muchos aficionados al progresivo.

Tillison tiene la gran habilidad de rodearse de músicos de alto nivel y en el disco que nos ocupa esto se confirma plenamente. Las guitarras y las voces son de Guy Manning y Jakko Jakszyk, de los instrumentos de viento se ocupó Theo Travis, Jonas Reingold puso el bajo, Jaime Salazar la batería y el mismo Tillison se ocupó de los teclados y partes vocales. Asimismo, contaron con la colaboración de Julie King como cantante principal en un par de temas.

Así pues, aquí os dejo con la música fresca de The Tangent una banda que creo que tendremos que tener muy presente en estos próximos años. Con este tema abren el disco motivo de esta entrada, A Crisis in Mid-Life. Espero que os guste.

Camel en concierto (Sala Barts, Barcelona)

Magnífico concierto el ofrecido por Camel el pasado 4 de septiembre en la Sala Barts de Barcelona, un recinto ideal para conseguir una excelente comunicación entre banda y público. Como así fue.

Sobre algo más de las nueve de la noche, con cierto retraso sobre la hora prevista de inicio del evento, se presentó la banda con el sonido del tema Aristillus sonando a todo volumen de acompañamiento, el show empezaba bien, muy bien.

Nada más situarse sobre el escenario atacaron con toda contundencia y sin dilación el Moonmadness, el álbum de 1976 al que se rinde homenaje en este tour. Empezando por Song Within a Song y acabando por Lunar Sea, entre medio, obviamente, el resto de temas del disco de sobra conocidos por todos nosotros.

Con un sonido espectacular que, según me comentó un amigo y creo que tenía toda la razón, con la misma calidad o incluso mejor que el de la grabación original. Andy con un toque seguro y dominador, leyendo en todo momento la situación del concierto, ganándose la complicidad de todos nosotros desde el primer momento. Utilizando sus guitarras Gibson y Fender de toda la vida y las flautas con su maestría habitual.

Colin, todo un veterano curtido en mil batallas, sabe ocupar perfectamente su parcela, sin querer ganar nunca demasiado protagonismo, pero ofreciendo siempre con su bajo el ritmo perfecto a las composiciones de la banda y poniendo su voz cuando el tema lo requería.

Dennis, parapetado detrás de su batería e instrumentos de percusión, se ha ganado por derecho propio a ocupar un lugar fijo entre los miembros de Camel. Él sabe arrancar a sus tambores los sonidos más adecuados en todo momento, contundentes y frenéticos o delicados y sutiles según las necesidades de cada momento.

Y, finalmente, la sorpresa de la banda. el desconocido, al menos para mí, Pete Jones. Un músico de aquellos que antes conocíamos como un multiinstrumentista y supongo que ahora también. Portentoso y eficaz con los teclados, clavando y recreando a la perfección los sonidos creados por
Peter Bardens y Tom Scherpenzeel, los dos teclistas más influyentes de la banda. Solvente con el saxo, instrumento con el que conseguía dar otra dimensión a los temas en los que aparecía. Pero además, con una gran voz que lucía maravillosamente en las partes vocales de los temas de la banda y que conjuntaba perfectamente con las voces de Andy y Colin.

Tras un descanso de unos 15 minutos se reanudó la segunda parte del concierto en la que Camel nos ofreció un pequeño, pero interesante repaso a una parte de su discografía. Temas del Rain Dance (Unevensong), del I Can See Tour House From Here (Hymn to Her y Ice), del Stationary Traveller (Long Goodbyes), del Dust and Dreams (End of the Line, Mhoter Road y Hopeless Anger), del Harbour of Tears (Coming of Age) del Rajaz (Rajaz) y para acabar el maravilloso (Lady Fantasy) del Mirage.

En definitiva, unas dos horas de un espectáculo muy emotivo, de aquellos que van directos al alma, pero creado con una gran profesionalidad y entrega. Camel ocupa un lugar de privilegio en nuestros corazones y con conciertos como este, no hace más que plantar sus raíces en nosotros más profundamente.

Todas las fotografías y el video que ilustran esta pequeña crónica son de cosecha propia, y soy consciente que la calidad es muy interior a la que os merecéis, pero dado que documentan unos de los instantes más intensos de mi vida en la vertiente musical, os pido que me permitáis este licencia.

De nuevo Camel

De nuevo Camel se pone a tiro y para mí es imposible dejar pasar una oportunidad así, ya saben lo que se dice: "la cabra tira al monte". Será dentro de una semana en la Sala Barts de Barcelona, un recinto que ya he visitado en diversas ocasiones, que reúne unas condiciones óptimas para poder disfrutar de un concierto de las características que nos propondrán Andy y sus chicos.

Esta será mi tercera vez con ellos en directo, y os puedo asegurar que nunca defraudan. Mi estreno con Camel fue en la ya lejana gira de presentación del disco I Can See Your House From Here de finales de los 70 en Badalona. La formación original ya había sufrido diversos cambios, evidentemente, no estaban ya ni Ferguson, ni Bardens, pero también habían salido los primeros sustitutos de estos, los primos Richard y David Sinclair; tampoco estaba ya en aquellos momentos Mel Collins.

Para aquella gira a los miembros fundadores Latimer y Ward y al teclista que entró como uno de los recambios de Bardens, Jan Scheelhas; se suman Colin Bass bajista que había colaborado anteriormente con Steve Hillage y Kit Watkins teclista procedente de Happy the Man. El recuerdo de aquel concierto es buenísimo, aunque el paso de los años me lo nubla cada vez más.

La segunda, mucho más cercana en el tiempo, fue en el año 2013 durante la gira conmemorativa de los 40 años del mítico The Snow Goose. El concierto se celebró a finales de octubre en el Centro Barbican de Londres, en esta ocasión la banda estaba formada por Andy Latimer, Colin Bass, el batería habitual en los últimos años Dennis Clement y los teclistas Guy LeBlanc y Jason Hart.

Para este tercer encuentro con Camel la fecha será el próximo 4 de septiembre en la ya mencionada Sala Barts de Barcelona. La formación será muy similar a la se utilizó en la anterior gira, con el cambio de Guy LeBlanc, tristemente fallecido en el año 2015, entrando en su lugar Pete Jones; tampoco estará Jason Hart.

Así pues, tengo en perspectiva otra velada mágica con una de mis bandas de cabecera desde siempre. Mi intención es redactar un artículo con la crónica del concierto, mientras tanto nos ponemos un tema del MoonMadness para ir documentando el evento. Para empezar a ponernos los dientes largos, aquí tenéis un vídeo casero de la actuación de Camel en el pasado Prog Festival de Loreley, interpretando el tema Song Within a Song...... yo ya entro en trance!!!

+ Gong: Angels Egg

Seguimos con Gong el repaso a su trilogía Radio Gnomo Invisible. En esta ocasión nos quedaremos con la segunda entrega de la trilogía: Angels Egg. Recordemos un poco la historia de la banda.

Gong fue una banda de largo recorrido con infinidad de cambios en su formación y que en su dilatada trayectoria ha pasado por todo tipo de situaciones. A nivel musical también han tocado diversos estilos dentro del concepto genérico de rock progresivo, si bien los más reconocidos o los que le dieron un éxito más rotundo fueron los relacionados con la psicodelia y el rock espacial.

Sus inicios se remontan a finales de los años 60 cuando Deavid Allen, músico australiano fundador de The Soft Machine, tiene problemas para entrar en el Reino Unido y decide quedarse a vivir en París. Por aquella época fundó Gong con Didier Malherbe a los instrumentos de viento, Rachid Houari a la batería, Christian Tritsch al bajo, su compañera Gilli Smyth a las voces y el propio Allen como vocalista y a las guitarras.

Con esa formación más la colaboración de diversos músicos invitados publican Magick Brother su primer disco en el año 1969. En estos primeros años Gong permanece bastante estable y solo se produce el cambio de baterista obligado por la marcha de Houari, entrando en su lugar Pil Pyle renombrado percusionista procedente de la escena Canterbury.

En el año 1972 se inició la que sería a la postre la etapa más clásica y conocida de la banda que quedó reflejada perfectamente en la trilogía Radio Gnomo Invisible.

La primera parte de dicha trilogía la compone el trabajo Flying Teapot publicado en el año 1973 con unos Gong formados por Allen como vocalista y guitarra, Tritsch que pasó a ocuparse también de las guitarras, Malherbe a los saxos y flauta y Gill Smyth a las voces. A los que se suman nuevos integrantes que enriquecen el sonido de la banda, Laurie Allan a la batería en sustitución de Pyle, Steve Hillage a las guitarras, Francis Moze al bajo y teclados, Tim Blake a los teclados y voces, y finalmente reingresa en la formación Houari a las percusiones.

La segunda parte se publicó en el mismo 1973 bajo el nombre de Angels Egg y con casi la misma base de músicos y estos cambios: Christian Tritsch miembro fundador de la banda la deja definitivamente, el del batería Laurie Allan, con una personalidad muy inestable, decidió abandonar el proyecto siendo reemplazado por Pierre Moerlen, figura que ocuparía un lugar muy relevante en el futuro de la banda, Mike Howlett sustituyó a un problemático Moze en el bajo y Mireille Bauer a las percusiones.

En el año 1974 cierran la trilogía con You, probablemente el disco más celebrado de Gong y el más reconocido mundialmente. En esta ocasión la formación se mantiene en su totalidad sin cambios entre sus componentes, a la vez que se suman dos nuevos integrantes, Benoït Moerlen a las percusiones y Miquette Giraudy a las voces.

Así pues, nos remontamos una vez más a la década mágica de los años 70 y para recordar el álbum Angels Egg, os propongo un tema en el que además notaremos la inconfundible mano de Hillage: I Never Glid Before. El primer vídeo es la versión del disco y el segundo una en directo en la que se puede apreciar toda la esencia de Gong.

 

Otra + de Radiohead

De nuevo recibimos la visita de Radiohead, una banda que siempre es muy bienvenida entre nosotros, en esta ocasión el motivo es su disco Amnesiac.

Amnesiac fue publicado en junio de 2001, cuando la carrera de la banda ya estaba plenamente consolidada, tras un final de década de los 90 realmente magnífico con trabajos como OK Computer y Kid A.

Con el álbum que hoy os presento inician el nuevo siglo y aunque sigue los esquemas de su predecesor, Kid A, en este creo percibir la suma de nuevos recursos a su extensa paleta de colores sonoros, a su mezcla de estilos e influencias diversas. Así se puede apreciar como sonidos electrónicos, se funden con influencias del mundo del jazz y del rock progresivo tradicional y como el uso de las guitarras es más intenso que en su anterior trabajo.

Amnesiac tuvo un buen recibimiento tanto por parte de la crítica especializada, como del público en general, poniendo a Radiohead como una de las bandas británicas más famosas a nivel mundial del nuevo siglo. 

Del álbum se extrajeron diversos singles con notable éxito, entre ellos el que ilustra sonoramente esta entrada, Pyramid Song, una magnífica pieza que quiero dedicar a mis amigos Juan Antonio y Paloma, por ayudarme a descifrar su grandeza.

Novedad: El Tubo Elástico - Impala

Si miramos los últimos artículos se podría decir que la Nostromo lleva unas semanas aparcada en los años 70 del siglo pasado, cosa que me alegra y me satisface enormemente, pues como bien sabéis soy un enamorado de esa década. Pero nuestra visión de amplio espectro periférico no puede dejar de observar otros tiempos que también aportan mucho, muchísimo, a nuestro universo musical.

Hoy os voy a hablar de una novedad que aun está caliente, recién salida del horno. Se trata de una de las bandas amigas de nuestro humilde proyecto, los chicos de Jerez de la Frontera, El Tubo Elástico. Hace pocas semanas presentaban su segundo trabajo Impala, el cual ahora mismo suena mientras redacto esta entrada, y como suena!!

Rock progresivo actual, fresco y dinámico, con ese regusto a los tiempos dorados, a los que con toda justicia hace honor. Dignos sucesores de toda la escuela más clásica del progresivo mundial del siglo pasado. Entre sus temas se pueden apreciar toques sinfónicos, mezclados a otros cercanos al jazz-rock, también esencia de música electrónica con ligeros guiños al metal progresivo y al hard clásico.

La calidad de sus composiciones y la armonía de sus ritmos ponen de relieve una vez más, que estamos ante una de las grandes bandas españolas contemporáneas. Una formación que con Impala nos demuestra encontrarse en un momento muy dulce de su carrera y tocados por la varita mágica de la inspiración. Esto queda sobradamente reflejado en los 6 temas, todos instrumentales que componen el disco.

La suma de todos ellos da como resultado un disco de los llamados redondos, de esos donde nada falta y nada sobra. Después de esta primera toma de contacto, encuentro muy acertada la selección de los temas que componen el álbum, si tuviese que destacar uno, así a bote pronto, me decantaría por El Acelerador de Picotas, una de aquellas composiciones que emocionan desde el primer momento.

El Tubo Elástico sigue compuesto por Vizen Rivas a las guitarras y sintetizadores, Carlos Cabrera a la batería y percusiones, Daniel González a las guitarras y sintetizadores y Alfonso Romero al bajo y los sintetizadores.

Os dejo pues con ellos y con Impala, en mi opinión un firme candidato a meterse entre los mejores discos del progresivo de 2018. El tema elegido es, como no podría ser de otra manera, El Acelerador de Picotas. A disfrutar!

+ Información:

 https://eltuboelastico.bandcamp.com/releases

 https://www.facebook.com/ElTuboElastico/home

Mirando a los 70: Jordi Sabatès

El mes de agosto ya está bien asentado entre nosotros y con él, como no, llevamos unos días de calor asfixiante, en realidad nada que no sea común en todos los veranos, aunque parece que nos olvidemos de un año a otro.

Pensaba yo por donde seguir el viaje, ahora ya prácticamente sólo musical, de nuestra nave. El ritmo es ahora más lento, pero quiero mantener estas constantes vitales, que aunque más pausadas nos permitan mantener el contacto.

En está búsqueda de propuestas nuevas el abanico de posibilidades es enorme, casi infinito, pero al final me he decidido por seguir explotando la década prodigiosa del rock progresivo: los años 70.
Y justamente en esta últimas semanas me han llegado nuevas propuestas de esa época, la cual parece no tener fin, como esta que os presento, el disco Ocells del més Enllà de Jordi Sabatès.

El disco fue publicado en el año 1975 y a pesar de no encontrarse entre los trabajos más conocidos del panorama musical del progresivo español, estamos sin duda, ante un disco de una calidad enorme, compuesto por unos excelentes temas que van desde jazz, al rock de corte sinfónico sin dejar al margen otras claras influencias, como los ritmos brasileños y el flokclore catalán mediterráneo.

Jordi Sabatès era ya en los 70 un músico muy experimentado que había colaborado en mil y una historias diferentes. Con bandas como Picnic y OM; con Pau Riba en su aclamado trabajo Dioptria; con cantautores como Ovidi Montllor, Pi de la Serra o Maria del Mar Bonet y también por esos años fundó su propio grupo Jarka.

En Ocells del més Enllà, Jordi se acompaña de un gran elenco de músicos, allí encontramos a Toti Soler a la guitarra española, a Manuel Elias al bajo, Iván Bargas a la batería, Ricard Sabatès a la guitarra eléctrica, Gustavo Quinteros a la percusión y Erica Norimar a la voz.

 Recuperamos esta gran obra recordando el tema que da nombre al disco, tema que se desarrolla en tres movimientos, con la duración de una casi suite, unos 15 minutos sin nada de relleno.

Mirando a los 70: Gong II

Siguiendo con la historia de Gong. A mediados de los 70 Deavid Allen decidió abandonar la banda debido a que padece un alto grado de agotamiento, con él se fueron también su compañera Gilly Smyth y otros componentes. Se estaba cerrando el período clásico de Gong.

Esta situación dio paso a una etapa de cierta inestabilidad durante la cual el grupo pasó a estar liderado en cierta manara por Steve Hillage, a pesar de que él no se sentía cómodo en esa faceta, de ahí la brevedad de su liderazgo.

Finalmente, sería el percusionista Pierre Moerlen el que pasó a ejercer esa función y con él Gong experimentó una evolución sustancial de su sonido. Sus composiciones dejaron de lado el componente más psicodélico y experimental, adquiriendo unos sonidos más cercanos al jazz y a los ritmos étnicos.

La primera muestra de dicha evolución la encontraríamos en el disco Shamal, publicado en el año 1976, un disco muy interesante, pero casi sin nada que ver con los trabajos anteriores de la banda. En ese álbum encontramos aún la colaboración, de una u otra manera de casi todos los componentes de las antiguas formaciones de Gong, pero algunos de ellos participaron ya como invitados.

En los siguientes años sería Moerlen quien llevaría la manija de la banda, llegando incluso a poner su nombre al grupo: Pierre Moerlen's Gong. Con esa denominación se publicaron entre finales de los 70 y la década de los 80 un buen puñado de discos. En los que contó además con grandes músicos invitados como Allan Holdsworth, Mike Oldfield, Steve Winwood, Mick Taylor o el antiguo componente del grupo, Didier Malherbe.

Por su parte Allen no volvería ponerse de nuevo al frente de Gong hasta casi la década de los 90. Si no contamos con la corta experiencia del año 1978 publicada bajo el nombre de New York Gong: About Time.

Ilustramos sonoramente el recuerdo de la banda liderada por Pierre Moerlen con una pieza del álbum Shamal, justamente la que presta su nombre al disco.

Deep Purple - Mark VI

Seguimos con la historia de la mítica banda Deep Purple y seguimos inmersos en los años más complicados del grupo. A finales de 1993 Blackmore abandona la banda en mitad de la gira de presentación del The Battles Rages On. Delante de ese panorama se tomó la decisión de suspender temporalmente la gira, al menos mientras se buscaba un sustituto fiable para la vacante.

El guitarrista elegido para ocupar el puesto de Richard fue Joe Satriani, un excelente instrumentista que supo plasmar el espíritu de la banda en su labor, aportando además su sello personal. El estreno de Satriani tuvo lugar el 2 de diciembre de 1993 en Japón.

Gracias a la buena disposición de Joe el grupo pudo cumplir con todos sus compromisos contractuales, dejando muy buenas sensaciones entre los miles de aficionados que acudieron a sus conciertos. La integración del guitarrista en la banda fue tal que incluso se llegó a pensar en él como miembro permanente, pero se encontraron con la realidad de que Satriani debía cumplir los compromisos adquiridos con su casa discográfica.

Joe se despidió definitivamente de los Purple en julio de 1994 en un concierto en Austria, pero antes de su partida recomendó al guitarrista que ocuparía su puesto y que además daría mucha estabilidad a la banda: Steve Morse.

Con Satriani la formación no publicó nuevo material de estudio, pero sí que se editaron algunos videos de conciertos de la gira, sirva este que os propongo como muestra de esa colaboración.

Mirando a los 70: Gong

Fijo una vez más la atención en esa década tan importante para mí en todo lo relacionado con la música, y lo hago repescando a una vieja banda a la que nunca preste la debida atención: Gong.

Su propuesta inicial de rock psicodélico, experimental y espacial no llegó a motivarme lo suficiente, a pesar de que reconocía la valía de muchos de los músicos que pasaron por sus filas. Pero como dice el refrán:"más vale tarde que nunca" y en este caso me lo aplico sin ningún problema.

Gong fue una banda de largo recorrido con infinidad de cambios en su formación y que en su dilatada trayectoria ha pasado por todo tipo de situaciones. A nivel musical también han tocado diversos estilos dentro del concepto genérico de rock progresivo, si bien los más reconocidos o los que le dieron un éxito más rotundo fueron los ya mencionados y relacionados con la psicodelia y el rock espacial.

Sus inicios se remontan a finales de los años 60 cuando Deavid Allen, músico australiano fundador de The Soft Machine, tiene problemas para entrar en el Reino Unido y decide quedarse a vivir en París. Por aquella época fundó Gong con Didier Malherbe a los instrumentos de viento, Rachid Houari a la batería, Christian Tritsch al bajo, su compañera Gilli Smyth a las voces y el propio Allen como vocalista y a las guitarras.

Con esa formación más la colaboración de diversos músicos invitados publican Magick Brother su primer disco en el año 1969. En estos primeros años Gong permanece bastante estable y solo se produce el cambio de baterista obligado por la marcha de Houari, entrando en su lugar Pil Pyle renombrado percusionista procedente de la escena Canterbury.

En el año 1972 se inició la que sería a la postre la etapa más clásica y conocida de la banda que quedó reflejada perfectamente en la trilogía Radio Gnomo Invisible.

La primera parte de dicha trilogía la compone el trabajo Flying Teapot publicado en el año 1973 con unos Gong formados por Allen como vocalista y guitarra, Tritsch que pasó a ocuparse también de las guitarras, Malherbe a los saxos y flauta y Gill Smyth a las voces. A los que se suman nuevos integrantes que enriquecen el sonido de la banda, Laurie Allan a la batería en sustitución de Pyle, Steve Hillage a las guitarras, Francis Moze al bajo y teclados, Tim Blake a los teclados y voces, y finalmente reingresa en la formación Houari a las percusiones.

La segunda parte se publicó en el mismo 1973 bajo el nombre de Angels Egg y con casi la misma base de músicos y estos cambios: Christian Tritsch miembro fundador de la banda la deja definitivamente, el del batería Laurie Allan, con una personalidad muy inestable, decidió abandonar el proyecto siendo reemplazado por Pierre Moerlen, figura que ocuparía un lugar muy relevante en el futuro de la banda, Mike Howlett sustituyó a un problemático Moze en el bajo y Mireille Bauer a las percusiones.

En el año 1974 cierran la trilogía con You, probablemente el disco más celebrado de Gong y el más reconocido mundialmente. En esta ocasión la formación se mantiene en su totalidad sin cambios entre sus componentes, a la vez que se suman dos nuevos integrantes, Benoït Moerlen a las percusiones y Miquette Giraudy a las voces.

Cierro aquí este pequeño repaso a la biografía de Gong centrada en esta primera etapa y la más exitosa del grupo, la historia continuó unos cuantos años más, con muchos cambios, bandas paralelas y proyectos diferentes, pero eso lo dejaremos para capítulos posteriores.

Para cerrar el artículo os propongo uno de mis temas favoritos del disco You que lleva por título Master Builder. Hay que liberar la mente y dejarse llevar...

Sigo aquí y Bowie también.

En estas semanas de retiro han pasado varias cosas en mi vida que han afectado a la marcha y la regularidad del blog. Algunas son positivas y otras muy negativas, pero la vida es así, ya sé que suena a tópico, pero si analizamos los parámetros que rigen nuestra existencia veremos que siempre nos movemos por esos valores.

Voy a intentar retomar un ritmo lo más regular posible, con la intención de mantener la órbita de la Nostromo lo más estable posible, pero me parece que será difícil mantener la frecuencia de comunicaciones que he mantenido durante estos primeros cinco años de viaje.

Aunque las comunicaciones fallen, aunque la nave pase a menudo por zonas de oscuridad absoluta, voy a intentar contactar con vosotros con toda la asiduidad que me sea posible. La Música siempre estará de nuestra parte y será ese cordón umbilical virtual que nos mantendrá unidos.

El peregrinaje de nuestra nave "hasta el infinito y más allá" se mantendrá mientras todos tengamos algo que explicar, algo que proponer, un tema o una banda por descubrir y el amor incondicional por el rock progresivo, en toda la amplitud que ofrece su definición.

Quiero retomar la marcha con el tema superclásico de David Bowie, Space Oddity en una original y emocionante versión. Con vuestro permiso lo quiero dedicar a dos estrellas que finalmente ya brillan juntas en el cielo de mi universo

5 años de viaje

El pasado 7 de mayo cumplimos 5 años de viaje por el universo del rock, sobre todo en su vertiente progresiva. Un lustro en el que se han tocado casi todas las vertientes de nuestra música, eso sí, algunas de ellas con más énfasis que otras (el componente sinfónico está siempre muy presente).

5 años en los que hemos recuperado grandes clásicos, hemos descubierto nuevos grupos y solistas de antes y de ahora, y hemos asistido a un buen número de conciertos. En ese tiempo también nos hemos dedicado a otros temas, aunque de manera más esporádica: viajes, pensamientos, cine y estadísticas.

Creo que todos los grandes músicos y las bandas más legendarias han pasado por nuestro cuaderno de viaje, esa ha sido siempre la intención. Con ellos han llegado también los mejores temas del rock progresivo, las composiciones que forjaron toda una época y que marcaron para siempre nuestra historia en común.

¿Y que decir de los conciertos? De todos ellos solo puedo decir cosas buenas, momentos dorados de mí vida, experiencias enriquecedoras y compartidas con grandes amigos, que a la vez también han servido para dar contenido y solera al bloc.

Espectacular fue el que nos ofreció Muse en Barcelona en junio del 2013, en que además tuve la fortuna de compartir la experiencia con mi hija, convirtiendo al evento en algo inolvidable.

Otra gran experiencia fue la que nos ofreció el concierto de Camel en el Centro Barbican de Londres, con un viaje relámpago a la capital inglesa incluido en el mismo paquete. Fue un concierto memorable que reafirmó a Camel como una de mis bandas favoritas de siempre.

La fortuna musical estuvo una vez más de mi lado en estos años cuando pude asistir al concierto de Steve Hackett en Barcelona. Que grandes momentos vivimos escuchando temas inmortales de Genesis de la mano de uno de sus creadores.

Otro momento cumbre lo viví con la actuación de Marillion en la Sala Barts de Barcelona. Mi puesta de largo con la banda en directo no pudo ser mejor, una gran velada con un show espectacular de Marillion.

Más eventos históricos ocurridos en estos 5 años: El concierto de Anglagard en el festival Minnuendö del año 2017, un par de horas apasionantes con una de las bandas más interesantes de los años 90. Pura energía y pura magia sobre el escenario de Peralta, ante el éxtasis del público asistente.

Las bandas españolas también se marcaron grandes eventos en estos cinco años y, por poner un ejemplo citaré los conciertos que nos ofrecieron en el auditorio de Calabria 66 de Barcelona, los amigos de On the Raw y Frutería Toñi. Buena música e inmejorable compañía, ¿qué más se puede pedir?

Pero sin duda el momento más álgido y emocionante de los conciertos vividos en este lustro fue el de King Crimson en el Auditorio del Fórum de Barcelona. Fue una gozada escuchar a la mítica banda tocando muchos de sus grandes temas de los 70, aquellos que formaron a tantas generaciones de aficionados al rock progresivo.

Mi intención primitiva era subir este mensaje el mismo día del aniversario, pero por diferentes causas no puedo ser. Como dijo no recuerdo ahora que sabio personaje: "más vale tarde que nunca".

Y que mejor broche para esta pequeña celebración que revivir uno de esos momentos estelares, por eso recurro de nuevo a esta maravillosa reencarnación de los King Crimson y a la impresionante versión que nos ofrecieron del mítico Starless.

La primera de mayo con Alusa Fallax

El progresivo italiano vuelve a entrar en nuestro menú de base de la mano de una banda que se estrena en el blog: Alusa Fallax. Una propuesta de esas que tanto nos gustan, con esa calidad que las bandas italianas imprimen a su música y con ese sonido tan propio de los 70.

Alusa Fallax se formó a finales de los 60 en la ciudad de Milán en torno a la figura del teclista Massimo Parretti, se trata de una de esas formaciones denominadas "de un solo disco". En este caso el álbum fue publicado en 1974 con el nombre de Intorno Alla Mia Cattiva Educazione.

Los temas que componen el disco mezclan con gran sabiduría diversas corrientes del rock progresivo como, el jazz y el rock sinfónico con influencias de la música tradicional italiana. Dando como resultado un gran trabajo, que si bien en su momento no tuvo el debido reconocimiento, ni la promoción comercial que se merecía, hoy en día sí que es valorado como uno de los grandes álbumes de la escena italiana, imprescindible en toda colección que se precie de progresivo italiano.

Demos la bienvenida a nuestra humilde comunidad con todos los honores que merece a esta gran banda, y los hacemos por medio de la canción Non Fatemi Caso.

Biografías de bolsillo: EL&P

Estos tres músicos excepcionales unieron sus carreras en 1970, todos procedentes de bandas pioneras del progresivo y con una prestigio consolidado. Keith Emerson llegaba de The Nice, Greg Lake de King Crimson y Carl Palmer de Atomic Rooster; con estos precedentes se entiende el interés que despertó el grupo entre los aficionados. Expectativas que para nada defraudaron, firmando unos trabajos de excelente calidad en la primera parte de la década, después como la mayoría de formaciones de esa época entraron en una fase de declive y desaparición.

Su primer trabajo lo publicaron a finales del mismo año de la creación de la banda tomando como título sus propios nombres Emerson, Lake & Palmer, aunque también es conocido entre los círculos progresivos como el de la paloma, por la portada del disco. Fue un comienzo espectacular y el álbum tuvo una gran acogida a todos los niveles. Entre los temas destacan Take a Pebble, The Three Fates o Lucky Man, una balada para el lucimiento de la preciosa voz de Lake.

En estos primeros años de existencia la banda tenía un ritmo frenético de trabajo. Después del debut llegó el magnífico Tarkus en el año 1971, con la impresionante suite del mismo nombre ocupando toda la cara A del vinilo. En ese mismo año publicaron la adaptación de la obra de Mussorgsky, Pictures at an Exhibiton grabada en directo, otro gran éxito.

EL&P estaban en estado de gracia y con la inspiración al máximo nivel. En el año 1972 lanzan el que probablemente sea su disco más aclamado, Trilogy. Este álbum los acabó de catapultar a la fama y los convirtó en una de las bandas más influyentes del rock progresivo. Entre los temas que lo componen se encuentran los magníficos The Endless Enigma, Trilogy y como no podía ser de otra manera, la balada acústica a cargo de Lake, From the Beginning.

El quinquenio mágico de la banda lo cierre otra obra maestra, Brain Salad Surgery publicado a finales del año 1973. En este disco incorporan al letrista de King Crimson, Pete Sinfield. Con él los textos alcanzan un alto grado de sofisticación, con letras más apocalípticas que describían el enfrentamiento entre el hombre y la máquina. De este álbum yo destacaría la fabulosa suite Karn Evil 9, una de las maravillas que nos legó EL&P.

Después de esos primeros años de éxito el grupo se tomó un descanso, en parte motivado por ciertas divergencias y tiranteces entre los integrantes. Ese estado de cosas quedó patente en su siguiente disco, Works Vol.1 publicado en el año 1977. Un álbum doble en el que cada miembro firmaba una cara del vinilo y la cuarta la componían entre todos. Este trabajo no tuvo una gran acogida entre su público y empezaba a mostrarnos ya el camino del final de la banda.

A finales del mismo año se editó el Works Vol.2, que no era nada más que una selección de temas descartados de otras grabaciones, pasando sin pena ni gloria a la historia discográfica del trío. En el año siguiente 1978 publicaron Love Beach, un disco bastante prescindible que según las propias declaraciones de la banda fue producto de presiones de la casa discográfica.

A finales de la década de los 70 la banda anuncia su disolución, tomando cada uno su propio camino. Carl Palmer se integra en la superbanda Asia, Greg Lake inició su carrera en solitario y Keith Emerson empezó su faceta de compositor de banda sonoras.

Por la mitad de los años 80 tuvo lugar un primer intento de reagrupación del trío y los tres músicos se mostraron receptivos al proyecto. La idea fructificó finalmente pero sin la participación de Palmer, debido a sus compromisos con Asia. La plaza de baterista la ocupó Cozy Powell y el álbum Emerson, Lake & Powell fue lanzado en 1986. Se trató de un disco que sí bien no alcanzó la notoriedad de los grandes trabajos de la banda, si que sirvió para devolver un poco la ilusión a sus seguidores.

Esta ilusión ante la perspectiva de una refundación duradera de EL&P duró poco y con el final de la gira de presentación del último álbum, acabó también el proyecto.

En 1991 se produjo un nuevo intento de reunión del trío original, que quedó plasmado con el álbum editado en el 1992, Black Moon. EL&P volvieron a las giras con notable éxito, ya que con el último trabajo habían retomado un tanto la senda de los buenos tiempos. Durante el año 1993, cuando ya estaban trabajando en su siguiente disco que se titularía In the Hot Seat, Emerson empezó a tener problemas graves de salud en un nervio de su brazo derecho que le obligó a pasar por el quirófano. El disco se pudo presentar finalmente en el año 1994 y no tuvo una gran acogida.

Emerson, Lake & Palmer intentaron volver a funcionar como banda, pero por los problemas de entendimiento entre ellos, los proyectos personales, el estado de salud de Keith u otros factores, los intentos solo fructificaron en ocasiones muy puntuales, sin la necesaria continuidad para volver a ponerlos nuevamente en marcha.

Finalmente, en el año 2016 la desaparición inesperada de Emerson primero y pocos meses después de Lake pusieron el cierre definitivo a la historia de la banda, a la vez que nacía el mito de una de las más grandes bandas de rock progresivo de todos los tiempos.

La ilustración sonora la pone el tema Teke a Pebble.

Deep Purple - Mark II (3ª Parte)

Seguimos con la historia de la mítica banda Deep Purple y seguimos inmersos en los años más convulsivos del grupo. Estamos en el año 1992, momento en que tiene lugar una vez más la reentrada de Ian Gillan en la formación. Se trata del tercer intento de funcionar con la formación conocida como Mark II (Paice, Lord, Blackmore, Glover y Gillan).

En aquellos momentos estaban preparando el nuevo álbum del cual ya llevaban compuesto casi la mitad. Ian decidió implicarse de lleno y reescribió gran parte de las letras, el disco vio la luz en julio del 1993 con el nombre de The Battles Rages On. A pesar de tratarse de un trabajo correcto no tuvo una gran acogida, quizá porqué la banda nos transmitía una buena armonía interna.

Durante la gira de presentación del disco las fricciones y la mala relación entre Blackmore y Gillan volvieron a ser más que evidentes. Hasta que finalmente, en el concierto de Helsinki en noviembre de 1993 Richard decide abandonar la banda, siendo aquella su última actuación con los Purple.

Delante de ese panorama se tomó la decisión de suspender temporalmente la gira, al menos mientras se buscaba un sustituto fiable para la vacante dejada por Blackmore, tarea nada fácil. Pero eso lo dejaremos para el próximo capítulo de la vida de Deep Purple.

El tema que pone música a la entrada es The Battles Rages On que también da nombre al disco.

Biografías de bolsillo: Triana

Hablar de Triana es hablar de una de las bandas más importantes de la historia de la música española. Su mezcla de rock progresivo con elementos del flamenco y de la música popular andaluza, aderezada con matices psicodélicos, con toques de blues y un cierto aire de jazz; convirtieron a sus discos entre los más populares de su época.

Triana se formó en el año 1974 por los músicos Jesús de la Rosa (teclados y voz), Eduardo Rodríguez (guitarra española y voz) y Juan José Palacio "Tele" (batería, percusión y voces). Los tres con una amplia trayectoria en proyectos anteriores, acabaron confluyendo en esta historia común que tomó el nombre de su lugar de origen, el famoso barrio sevillano.

Su primer disco El Patio fue publicado en 1975, a pesar de la casi nula promoción comercial, a través del boca a oreja se convirtió en un disco clave en la historia del rock español. Sus canciones rebosaban frescura y originalidad, su rock sinfónico fusionado con la esencia flamenca andaluza enamoraron a generaciones enteras de jóvenes españoles. De él surgieron temas como Abre la Puerta, En el Lago o Se dé un Lugar que forman parte de la memoria musical de este país.

En el año 1977 publicaron su segundo álbum, Hijos del Agobio. En este trabajo se percibe un cierto contenido de crítica a los momentos sociopolíticos que se vivían en España. El disco tuvo más respaldo promocional consiguiendo, además, muy buenas críticas y una gran aceptación entre el público. Entre sus temas destacan Rumor, Necesito o Sr. Troncoso (uno de mis favoritos de siempre).

La espectacular trilogía inicial de Triana la cerró el fabuloso álbum Sombra y Luz, publicado en 1979. Este disco fue un auténtico éxito de ventas desde el mismo momento de su salida, ya que tuvo una amplia promoción comercial por parte de la compañía discográfica. La banda estaba en el cenit de su carrera y sus conciertos se multiplicaron por toda la geografía nacional. Entre los temas sobresalen, Quiero Contarte, Sombra y Luz y Hasta Volver.

Con Un Encuentro, publicado en 1980, el grupo introduce cambios que suman nuevos aires a sus composiciones, beben del blues, del pop, con unas letras más intimistas y poéticas. Triana es ya un grupo consagrado y con una trayectoria reconocida por una gran variedad de público. Ente las canciones del disco encontramos Tu Frialdad, una de las más conocidas de su repertorio, personalmente yo también destacaría, Cae Fina la Luvia y Un Extraño Más.

En el año 1981 publicaron el disco que tiene el mismo nombre del grupo Triana, probablemente el álbum más flojo de su discografía. Con una sonoridad abiertamente más pop, producto de las nuevas tendencias que imperaban en la sociedad, íbamos de cabeza a los locos 80's. En él hallamos algunos los temas más comerciales de su carrera: Corre y Una Noche de Amor Desesperada.

El sexto disco de estudio fue publicado en el año 1983 con el nombre de Llegó el Día. Con este trabajo Triana intenta, y en gran medida lo consigue, recuperar sus viejos esquemas ofreciéndonos  un álbum notable, en el que se pueden apreciar la esencia y las sonoridades tipicos de la banda. Este sería a la postre el último disco del grupo y en él hallamos buenos temas como, Desnuda la Mañana, Querida Niña o Llegó el Día.

En ese mismo año, en octubre, tuvo lugar el fatal accidente que segó de golpe la vida de Jesús de la Rosa y provocó la desaparición de la banda, como no podía ser de otra manera: Triana sin Jesús no tenía razón de ser.

A partir de aquí lo que pasó ya es otra historia que poco o nada tiene que ver con Triana.

Para adornar esta biografía breve de la banda os dejo con uno de sus temas míticos: En el Lago.

Deep Purple - Mark V

Seguimos con la historia de la mítica banda Deep Purple. Nos situamos ya a finales de los años 80, concretamente en el año 1989.  Como ya veíamos en la anterior entrega, el invento de revivir la formación del Mark II duró poco, aproximadamente unos cinco años. Las fricciones entre Blackmore y Gillan llegaron a tal punto que finalmente el cantante decidió volver a abandonar al grupo en mayo de 1989.

El puesto de Gillan lo ocuparía un viejo conocido de Blackmore, Joe Lynn Turner, con él había compartido algunos años en Rainbow y le unía una buena amistad. Estamos pues ante el nacimiento del Mark V, el resto de la formación la formaban los clásicos Paice, Lord y Glover.

De esta etapa ha quedado el álbum Slaves & Masters publicado en el año 1990. Un disco con un sonido más melódico que se aleja un poco de la contundencia marca de la casa. El resultado final tampoco es que sea malo y en el disco se pueden escuchar buenos temas, pero en la discografía de Deep Purple se encuentra entre los menos valorados.

Paralelamente se inició la gira de presentación del disco, con el nombre Sleves & Masters World Tour. El éxito de la gira fue un tanto desigual, debido a que a muchos seguidores de los Purple, ni al resto de integrantes del grupo les gustaba el rumbo que había tomado la banda.

Por si fuera poco, la casa discográfica tampoco estaba muy contenta con los resultados y cuando se empezaba a trabajar con lo que sería el siguiente álbum, a principios de 1992, entre todos decidieron despedir a Turner, recurriendo de nuevo a Gillan, sin contar con la aprobación de Blackmore. La etapa del Mark V había llegado a su fin.

Ilustramos sonoramente ese período de la banda con el tema Kings of Dreams del mencionado trabajo Slaves & Masters.

La primera de abril con Carpe Diem

Iniciamos el mes de abril con esta gran banda francesa: Carpe Diem. Se empieza a notar en el ambiente la llegada de la primavera. En los árboles y las plantas ya aparecen los primeros nuevos brotes, los campos de van llenando de flores silvestres y el ambiente se va tornando más cálido.

Desde nuestra nave también queremos sumarnos a este nuevo cambio de estación como se merece y por eso invitamos a esta gran formación del progresivo francés de los 70. La semilla de Carpe Diem se sembró a finales de los 60 entre un grupo de jóvenes estudiantes en la ciudad de Niza.

Al igual que muchas otras bandas empezaron haciendo versiones de temas de bandas clásicas, como King Crimson, Procol Horum o Moody Blues. A mediados de la década de los 70 dieron el paso definitivo para iniciarse en la creación de composiciones propias, con el objetivo de crearse su propio sonido identitario. Su estilo es melódico, lleno de un lirismo sinfónico con grandes pasajes instrumentales adornados con buenas partes vocales.

En su corta carrera discográfica grabaron dos álbumes de estudio, En Regardant Passer le Temps del año 1975 y Cuille le Jour del año 1977. Dos excelentes discos que a buen seguro fueron del agrado de casi todos los aficionados al género, pero que no tuvieron demasiado apoyo de la industria discográfica de aquellos años convulsivos de finales de la década. Finalmente, en el año 1979 la banda decide su disolución.

Entre el material que nos han legado por medio de sus dos trabajos publicados encontramos muy buenos temas, pero yo me confieso profundamente admirador de la composición que ocupaba toda la cara A del vinilo editado en el año 1977 titulada Couleurs. Más de 21 minutos de un tema largo, de esos que tanto nos gustan.

After Crying II

Una de las bandas más originales que existe dentro del mundo progresivo desde finales de los 80, es sin duda After Crying, con su mezcla entre el rock sinfónico-progresivo y la música clásica, con algunos toques jazzísticos y claras influencias de algunas de las grandes formaciones del progresivo setentero como EL&P, por citar una.

El grupo se formó propiamente en el año 1986 y sus primeras incursiones en el mundo de la música en principio tuvieron poca repercusión, pero en 1990 editaron su primer álbum, Overground Music, con más medios y su fama y reconocimiento aumentó considerablemente, traspasando las fronteras de su Hungría natal.

Hasta la fecha After Crying ha publicado 7 discos de estudio, con una etapa muy prolífica en la década de los 90, tanto en calidad como en cantidad. Después con la entrada del nuevo milenio su ritmo de publicación bajo sustancialmente.

Sus conciertos en directo eran y son realmente espectaculares, en ocasiones ofrecen presentaciones con la banda ampliada hasta 15 integrantes, logrando un sonido realmente original y de gran calidad. Eso hizo crecer aún más su reconocimiento por toda Europa, llevándoles a tocar en muchos lugares del continente con notable éxito.

En estas últimas semanas me he puesto con su álbum Show del año 2003. Un disco muy interesante con un sonido y una riqueza instrumental que son el sello de presentación, sirva como ejemplo este tema: Secret Service, para la ocasión en una versión en directo con acompañamiento de orquesta. Impresionante!!

Happy the Man II

Una de las grandes bandas americanas de los 70 fue Happy the Man, quizás no tan conocida como otras que nos llegaron del otro lado del Atlántico, pero con algunos discos altamente recomendables.

La formación ha pasado por diversas etapas, años de desaparición de la escena y posteriores reuniones. La primera etapa va desde el 1973 hasta final de la década, en la que parece es la mejor época con respecto a la producción discográfica y a la calidad de los trabajos.

Durante los años 80 y 90 la banda estuvo fuera de circulación y, aunque se publicaron discos, el material de los mismo era de composiciones realizadas en los 70. No fue hasta la llegada del nuevo siglo en el que volvieron a resurgir con una formación renovada en parte, publicando un nuevo disco, The Muse Awakens en el año 2004.

Así pues, fue en la segunda parte de los 70 en la que Happy the Man publicó los que están considerados sus dos mejores discos, el primero con el mismo nombre de la banda en el año 1977 y el segundo, Crafty Hands en el 1978.

El sonido del grupo en esos álbumes era compacto y muy rico de matices, una música elegante y melódica sostenida por una gran base rítmica. En sus composiciones se notan influencias de algunas de las grandes bandas progresivas británicas setenteras, como Gentle Giant, Van der Graf Generator o King Crimson.

Uno de los miembros claves de Happy the Man, el teclista Kit Watkins se integró en la consagrada banda Camel entre los años 1979 a 1982, participando activamente en el séptimo disco de la banda, I Can See Your House From Here publicado en el año 1979.

Hoy nos toca meternos en el primer álbum de la banda, publicado en el año 1977 con el su mismo nombre Happy the Man. Todo en este disco alcanza unas altas cotas de calidad, pero yo me quede enamorado del sonido de los teclados, supongo que la mano de Kit estará muy presente. Os dejo esta muestra, Knee Bitten Nymphs in Limbo.

Deep Purple - Mark II (2ª parte)

Seguimos con la historia de la mítica banda Deep Purple. Nos situamos ya en la mitad de los años 80, concretamente en el año 1984. Casi 8 años después de la disolución de la banda, los miembros de la formación Mark II, probablemente la más reconocida de todas, se vuelven a juntar ofreciendo una nueva oportunidad al grupo.

En ese mismo año 84 publican su undécimo álbum de estudio con el título de Perfect Strangers, el disco tuvo una gran acogida por parte de los seguidores de la banda, que tenían muchas ganas de volver a ver a los Deep Purple en acción, como también por parte de la prensa especializada.

Durante el mismo 84 y el 85 la banda llevó a cabo una gira mundial de presentación de ese trabajo, que tuvo su momento culminante en el Festival de Knewborth, celebrado en junio de 1985 donde se congregaron más de 80.000 asistentes.

A principios del 1987 publican un nuevo disco titulado The House of Blue Light. El recibimiento de este álbum fue más frio y no llegó a alcanzar la popularidad de su predecesor. Personalmente estoy de acuerdo en que la calidad de los temas que lo componen no tienen mucho que ver con los de Perfect Strangers, y me atrevería a catalogarlo como uno de los discos menos inspirados de la banda.

Durante las sesiones de grabación del nuevo trabajo vuelven a surgir los viejos roces y tensiones entre Gillan y Blackmore, las cuales se acrecentaron en la gira mundial de presentación. Todo esto desemboca en la salida de Ian Gillan del grupo en mayo del 1989. Quedaba cerrada la segunda etapa del Mark II.

Tiempo de Deep Purple con el tema del disco Perfect Strangers, Under the Gun.

Desde Chile: Aisles

Las novedades no paran en nuestro largo deambular por los universos sonoros del rock. La última señal captada por las antenas cósmicas de la nave comercial Nostromo proviene de Chile y nos llega por medio de nuestro amigo Álvaro Rojas.

Álvaro nos presenta una propuesta muy interesante de la música vanguardista chilena, la banda Aisles. En su mensaje me cuenta que Aisles quiere aumentar su presencia en España e incluso están preparando una gira por Europa para el próximo año.

La banda se formó en Santiago de Chile a principios del nuevo siglo, concretamente en el año 2001, por los hermanos Luis y Germán Vergara, teclista y guitarrista respectivamente, junto con Rodrigo Sepulveda también guitarrista. Poco después se unirían al grupo Sebastián Vergara como vocalista y Alejandro Meléndez también a los teclados.

Con esta formación inicial publicaron su primer disco llamado The Yearning en el año 2005. El álbum tuvo una buena acogida entre el público y buenas críticas de los medios especializados. Su sonido es cercano al neoprog y al rock sinfónico clásico con influencias de grandes bandas como Camel, Yes o Genesis.

En los años siguientes han publicado tres discos más, En Sudden Walks en el año 2009, 4:45 a.m. en el 2013 y Hawaii en el año 2016. Siempre con su particular estilo de rock progresivo con influencias de los año 70 y los matices propios de su país de origen.

Aisles lo componen actualmente Germán Vergara a la guitarra y teclados, Rodrigo Sepulveda a la guitarra, Sebastián Vergara como vocalista, Felipe Candia a la batería, Daniel Baird-Kerr al bajo y Juan Pablo Gaete a los teclados.

Demos la bienvenida como se merecen a esta formación que nos llega desde tan lejos y lo vamos a hacer recuperando el tema de su primer álbum Clouds Motion.